Stefano Fiorentino photographed by Luca Creta © Stefano Fiorentino
Attore di talento, scrittore di fantasia e di grande sensibilità, regista dotto e insegnante di ispirazione, Stefano Fiorentino ci mette in contatto con tutta l’umanità.
Da piccolo, anzi piccolissimo, sa già di voler recitare, di dover fare l'attore. A 19 anni inizia i suoi studi alla scuola teatrale fondata dai grandi comici del gruppo 'Quelli di Grock'. Anche prima di concludere il programma di studi, con Santino Preti – grande amico e collega con cui collabora ancora oggi – fonda una compagnia teatrale, proprio per mettere in pratica tutto quello che insieme stavano imparando e per esplorare tutti i possibili sviluppi di quell'attività. Da più di vent'anni, Stefano Fiorentino esercita questo mestiere, indossandone tutti i possibili panni: da attore, da scrittore, da regista, sul palcoscenico e sul set cinematografico.
Con il suo talento ha dato un contributo al nuovo cinema italiano (“Solo per il weekend” di Gianfranco Gaioni) e al cinema d’autore (“Un solo sguardo” di Gabriele Salvatores - “Il capitale umano” di Paolo Virzì, “Somewhere” di Sofia Coppola), lavorando anche con giovani registi emergenti in opere artistiche e poetiche.
Stefano Fiorentino photographed by Camilla Pajardi © Stefano Fiorentino
Grande ammiratore di Hemingway, deve allo scrittore americano “tutta l‘educazione alla vita”. Nella linea tracciata dal “Papa” ("Papa" era il 'nickname' di Hemingway, ed era da tutti chiamato così per tutta le seconda metà della sua vita), Fiorentino si dedica all’onestà, alla verità, a prescindere dal testo o dal tipo di produzione. “Non è il testo che fa il personaggio”, ci spiega, “è sempre e solo l'uomo che si mostra nudo al pubblico.”
Ha sviluppato un sistema di studio, un sistema che chiama Empact, per aiutare attori ed attrici nella loro ricerca di questa verità e nella loro continua lotta per trovare modi sempre più potenti per esprimerla.
Il sistema Empact mette l’accento sull’identità, sottolineando l’esperienza condivisa da esseri umani, e vedendo nel nostro corpo unico e individuale il fondamento della nostra identità ma non il suo limite.
Già a 19 anni lei studiava alla scuola teatrale 'Quelli di Grock', fondata da Maurizio Nichetti, Gero Caldarelli e Osvaldo Salvi, coinvolgendo la magnifica Angela Finocchiaro. Quando e come è nata la sua voglia di fare questo mestiere?
“Quando ero piccolo la mia mamma mi permetteva di vedere la tv solo fino alle 10 di sera, così perdevo sempre il secondo tempo dei film. Allora sgattaiolavo dalla mia stanza fin sotto il letto dei miei, che si godevano il finale della pellicola, solo che la tv era così in alto che per vederla dovevo mettermi a testa in giù. Crescendo, cercavo sempre di infilarmi in un cinema, magari d'essai, ammirando film che i miei coetanei disprezzavano. A diciotto anni una mia amica mi ha chiesto se l'accompagnavo ad un'audizione per una scuola di recitazione, lei fu scartata, io passai la selezione recitando un pezzo di Mamet. Volevo recitare perché per me era l'unico modo di vivere con lealtà e bellezza.”
Stefano Fiorentino on the set of "Il Lupo" by the director Stefano Moro © Stefano Fiorentino
Tra fiction televisive, grande cinema e cortometraggi di giovani registi, lei ha avuto più di trenta ruoli. Quali sono le differenze nei modi di recitare in questi tipi di produzioni e con registi così diversi?
“Ho un piccolo segreto, non faccio mai quello che il regista mi dice di fare… ma lo includo in qualcosa di mio che la scena mi suggerisce. Ho conosciuto registi silenziosi che non scambiano neanche un saluto, altri molto meticolosi e generosi nel condividere la loro visione con gli attori, altri che non avevano idea di cosa girare, perduti nei meandri della loro vita, e poi i registi migliori, quelli che non ti dicono mai cosa fare, ma sanno usare la loro voce come un gesto che ti conduce alla loro visione. Oggi i budget delle fiction assomigliano se non addirittura superano quelli dei film, pertanto i mezzi sono gli stessi ed il linguaggio è pressoché lo stesso.
Rimane sempre la grande differenza tra la recitazione teatrale e quella cinematografica, basicamente possiamo dire che a teatro si segue chi parla e nel cinema chi si muove. Io amo dire che recitare per il teatro è una sessione di palestra molto molto intensa, ma recitare per il cinema è una delicata operazione chirurgica al cervello.”
A teatro lei ha indossato i panni di più di quaranta personaggi, in pezzi di peso come "L’uomo dal fiore in bocca" di Pirandello, "Bariona o il figlio del tuono" di Jean-Paul Sartre, "Lo zoo di vetro" di Tennessee Williams, "Glengarry Glen Ross" di David Mamet. Come riesce a fare suo un ruolo famoso, un personaggio conosciutissimo?
“Non mi rivolgo mai ad un ruolo pensando alla sua notorietà o a quella di celebri colleghi che l'hanno interpretato. Leggendo qualsiasi testo ho sempre avuto l'impressione che l'autore senza conoscermi abbia scritto di me, talvolta che addirittura abbia predetto il mio presente ed il mio futuro, non solo il mio passato. Per "L'uomo dal fiore in bocca" ho visitato tutti i bar appena fuori dalla stazione centrale di Milano ed ho incontrato sconosciuti che mi hanno raccontato la loro vita, io ho fatto lo stesso in scena per più di 100 repliche negli anni. Non è il testo che fa il personaggio, è sempre e solo l'uomo che si mostra nudo al pubblico.”
Ha anche scritto ed è stato protagonista di “ Hemingway Cafè”, ed inoltre anche in Colline come Elefanti Bianchi scritto dallo stesso Hemingway. Qualche interesse personale si intuisce!
“Prima dei diciotto anni avevo letto tutti i suoi romanzi e visto tutte le pellicole di Hollywood. Leggevo e davanti a me appariva tutta la vita dei personaggi, guardavo le pellicole e sentivo il ticchettio della macchina da scrivere. E’ più di vent'anni che studio il racconto breve 'Colline come elefanti bianchi', ci crede se le dico che tutta la mia educazione alla vita proviene da lì e non dai miei amati genitori? E poi la più grande lezione: se Hemingway si metteva davanti alla sua Underwood e cominciava a sanguinare, allora io sarei stato un attore che non avrebbe mai mentito, ma avrebbe urlato solamente la verità.”
Stefano Fiorentino on the set of "Il Lupo" by the director Stefano Moro © Stefano Fiorentino
Nel 1998, anche prima di terminare gli studi da 'Quelli di Grock' e prima di iniziare la sua formazione a Roma con Dominique De Fazio, insieme a Santino Preti ha fondato la compagnia teatrale 'Quinte di Carta'. Aveva solo 21 anni. Ci parli della nascita di questo progetto ambizioso.
“Io e Santino Preti lavoriamo ancora oggi insieme, dal 1998 al 2022, posso dire di avere trascorso più tempo con lui che con mia moglie. Ci sentivamo pronti, volevamo offrire al pubblico quello che avevamo intuito ed assaggiato in pochi anni di formazione, e così oltre allo studio della recitazione che non abbiamo mai abbandonato, abbiamo fondato una compagnia per potere condividere col pubblico tutto quello che scoprivamo. Il nostro amore per il cinema ci ha orientati verso testi asciutti, drammatici, ed il nostro teatro appare al pubblico come un set cinematografico, con una scenografia essenziale e necessaria.
Lei è attualmente direttore artistico del Teatro Fregia Cinque ma anche la forza dietro Studio Empact, una scuola di recitazione cinematografica. Ha sviluppato un sistema di studio e formazione che si chiama proprio Empact, dove l’attore è la connessione sofisticata tra la propria empatia ed il copione. Può parlarci un po’ dell’innovazione che rappresenta il suo metodo?
Empact è stata un'intuizione che nel corso del tempo è diventata un sistema di lavoro, che come tale, comporta certe priorità. Un giorno, prendendo le mani di un’amica tra le mie, sentii che non solo io stavo toccando lei, ma che anche io ero toccato. Compresi che ciascuno di noi trovava continuità nell'altro poiché entrambi eravamo il luogo dove la nostra relazione accadeva. Questo insegno a tutti coloro che si rivolgono al mio Studio, insegno loro a diventare un Luogo dove la Vita accade.”
Sappiamo tutti, fin da tempi immemori, che nulla viene dal nulla. Anche il celeberrimo metodo del regista russo Konstantin Stanislavskj era principalmente un’elaborazione del metodo-drammatico italiano di fine ‘800. In quali aspetti il suo metodo trae ispirazione da altri, e come si distingue da loro?
“Stanislavskj non ha inventato niente, ma ha svolto un immenso e prezioso lavoro, per tutta la durata della sua vita artistica, per cui oggi io gli debbo assolutamente gratitudine e rispetto. Credo che quando un attore recita con entusiasmo, nudezza, profondità ed empatia porti con sé una parte del lavoro di Stanislavskj, indipendentemente dal fatto che lo sappia o meno. Io ho avuto un grande maestro dal quale ho imparato molto, che mi ha orientato verso l'insegnamento pregandomi di fondare uno studio dove coltivare un nuovo linguaggio e crescere attori ed attrici in grado di testimoniare lo ‘splendore’ che liberi gli occhi ed il cuore del pubblico. Un luogo dove sviluppare il proprio corpo in modo che divenga così libero, flessibile ed intimo, che la sua anima ed il mondo attorno a lui si esprimano entrambi attraverso i suoi gesti.”
Stefano Fiorentino during one of his acting classes at his school Studio Empact in Milan © studioempact.com
Ogni attore ha una visione individuale, una voce tutta sua. Ciò detto, si notano delle differenze nei modi di recitare nel cinema italiano, in quello francese e in quello americano. Ci può dare una piccola descrizione/spiegazione di queste differenze?
“Recitiamo nella stessa maniera in cui ci poniamo di fronte al mondo, esattamente come rispondiamo alla vita che accade. Come attori italiani, nei film, sembriamo avere tante tende davanti agli occhi, senza permettere che niente entri dentro di noi. In più la nostra lingua tende a nascondere anziché rivelare. In questo senso il cinema italiano è molto indietro rispetto all'estetica del cinema in sé. L'arte della recitazione è molto particolare, in cinema ed in teatro la descrizione non è ammessa, e né l’uno né l’altro dovrebbero servire per fare politica. Il linguaggio del cinema e del teatro ha la cifra della vita che fluisce, ci sono cose che non si vedono né si dicono, ma nel fluire della vita appaiono. In Italia non abbiamo mai avuto un orientamento moderno, e siamo fermi alla Commedia dell'Arte, per la quale siamo anche famosi. Non a caso gli spettacoli italiani tuttora più esportati nel mondo sono 'Arlecchino' di Strehler e 'Mistero Buffo' di Dario Fo.”
“Negli States invece si è sviluppato un sistema che ha cercato di favorire l'espressione dell'attore, dal momento che l'esperienza dell'Actors Studio ha riguardato oltre agli attori, anche registi e scrittori e la lezione di Stanislavskj ha ispirato la necessità di un nuovo linguaggio, un linguaggio specifico che prima non esisteva. Gilles Deleuze ammirando gli attori americani ha coniato il termine viseità, intendendo di poter vedere la vita scorrere sul viso degli attori, così che il pubblico possa intendere quello che l'attore non ha detto, quello che l'attore non ha fatto. ”
“Recitare è un lavoro così sofisticato, fatto in un modo così semplice, che chi lo guarda non può dire che è recitato. Significa creare consapevolmente qualcosa che nella vita facciamo inconsciamente. Guardando al cinema europeo, non posso che amare il cinema francese, la cui intimità mi sconvolge, ed è unica al mondo. Non a caso già Copeau diceva: ‘…di quell'amore che le cose ci dimostrano quando operiamo in armonia con lo spirito, bisognerebbe riuscire a farne la carne della nostra opera.’"
The actor Stefano Fiorentino during the shooting of a commercial for Wilkinson, directed by Aldo Lugari
Chi sono i suoi studenti? Sono attori aspiranti o professionisti già confermati o forse una miscela di entrambe le categorie?
“I miei studenti sono neofiti, allievi che hanno studiato presso scuole di recitazione ma ritengono di non essere adeguatamente formati, professionisti del teatro che desiderano imparare il linguaggio del cinema, attori cinematografici che vogliono rompere le barriere attuali del cinema, persone che cercano e non sanno come perdersi. Studio Empact non è per tutti, ma a tutti è concesso un colloquio e un'audizione.”
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Talented actor, writer of great sensitivity and imagination, gifted director and inspiring instructor, Stefano Fiorentino puts us in contact with all of humanity
From a very young age, he knew that he wanted to be on the stage, that he needed to become an actor. At 19, he began studying at the theatre school founded by the great comedic actors of the Quelli di Grock troupe. Even before completing the programme, he founded a theatre company along with Santino Preti – his great friend and colleague, with whom he still works today – so that he could put into practice all that he was learning and to engage in a continuous exploration of the possibilities.
For more than 20 years, Stefano Fiorentino has been honing his craft, wearing all its hats: actor, writer, director, on both the theatrical stage and the film set. He has shared his talent in contributions to great comic cinema (Gianfranco Gaioni’s Solo per il weekend) and to independent filmmaking, working with young directors in artistic, poetic pieces.
A great admirer of Hemingway, he owes the American author “all my education on life.” Following in Papa’s footsteps, FIorentino is dedicated to honesty, to truth, regardless of the text or type of production. “It’s not the text that makes the character,” he explains, “it’s always and only the person standing naked before the audience.”
He has developed a system of study, a system he calls Empact, to help actors in their search for this truth and in their constant battle to find ever more powerful ways of expressing it. The Empact system places the accent on identity, underscoring the experience shared by all human beings, and seeing our unique and individual bodies as the foundation of our identity but not the limit of it.
Already at the age of 19, you were studying at the Quelli di Grock theatre school, founded by Maruizio Nichetti, Gero Caldarelli and Osvaldo Salvi, along with the magnificent Angela Finocchiaro. When and how was your desire to ply this trade born?
“When I was little, my mum only allowed me to watch TV until 10 at night, which meant that I always missed the second half of the films. So I would sneak out of my room and crawl under their bed while they watched the end of the movie. The problem was that the TV was set so high up that for me to see it, I had to lie on my back and look at it upside down. Growing up, I looked for every opportunity to spend time in cinemas, often watching experimental films, admiring ones that other kids my age rolled their eyes at. At 18, a friend of mine asked me to go with her to an audition for an acting school. She was rejected, but I did a piece by Mamet and was accepted. I wanted to act because for me it was the only way to live with loyalty and beauty.”
Between TV dramas, high cinema and film shorts by young directors, you have had more than 30 roles. What are the differences in the ways of acting in these types of productions and with such different directors?
“I have a little secret: I never do what the director tells me to do… I include it in what the scene itself suggests to me. I have known silent directors who never even say hello, others who are very meticulous and generous in sharing their vision with the actors, and others who had no idea what to film, lost in the meanderings of their own lives, and then the best directors, those who never tell you what to do but know how to use their voice like a gesture that brings you to their vision. Today budgets for TV dramas are similar, if not even greater, than those of films, so the means are the same and the language is nearly the same.”
“There is still a great difference between stage acting and film acting. In simple terms, we can say that in the theatre you follow who is speaking, and in the cinema you follow who is moving. I like to say that theatre acting is a very, very intense gym workout, but film acting is sensitive brain surgery.”
In the theatre, you have played more than 40 characters in great pieces like The Man with the Flower in His Mouth by Pirandello, Jean-Paul Sartre’s Bariona: The Son of Thunder, The Glass Menagerie by Tennessee Williams, Glengarry Glen Ross by David Mamet. What do you do to take a well-known role and make it your own?
“I never think about how familiar a character is or how famous an actor who has played the character is. Reading any text, I always have the impression that the author, without knowing me at all, was writing about me, sometimes even predicting my present and future, not just my past. For The Man with the Flower in His Mouth, I visited all the bars near the central station in Milan, talking to strangers who told me their life stories. I did just that on stage for more than 100 performances over the years. It’s not the text that makes the character, it’s only and always the person standing naked before the audience.”
Stefano Fiorentino on the set of "Il Lupo" by the director Stefano Moro © Stefano Fiorentino
You have also written and starred in Hemingway’s Tales, Hemingway Café, and played an important role in Hemingway’s Café, written by Hemingway himself. A certain personal interest seems to be evident!
“Even before turning 18 I had read all his novels and seen all the Hollywood films made of them. As I read, the lives of the characters appeared before me. Watching the films, I could hear the clacking of the typewriter. I’ve studied the short story Hills Like White Elephants for more than 20 years. Would you believe me if I told you that all of my education on life comes from that and not from my beloved parents? And the greatest lesson of all: if Hemingway could sit down at his Underwood and begin to bleed, I would become an actor who would never lie, one who would only scream out the truth.”
In 1998, even before completing your studies at the Quelli di Grock school and before beginning your studies in Rome with Dominique De Fazio, along with Santino Preti you founded the Quinte di Carta theatre troupe. You were just 21 years old. Tell us a bit about the birth of this ambitious project.
“Santino Preti and I have worked together since 1998 and are still working together today. I can tell you that I have spent more time with him than with my wife. We felt ready. We wanted to offer audiences what we had intuited and tasted over just a few years of training. Other than our acting studies, which we never gave up, we founded a company so that we could share everything that we were discovering. Our love for cinema led us to sharp, dramatic texts, and our theatre looks like a film set, with sets and scenes that reflect only what is essential, necessary.”
Stefano Fiorentino during one of his acting classes at his school Studio Empact in Milan © studioempact.com
You are currently the artistic director for the Teatro Fregia Cinque but also the force behind Studio Empact, a film acting school. You have developed a system of study and training called, in fact, Empact, in which the actor is the sophisticated connection between her or his own empathy and the script. Can you tell us a little about this innovation, which reflects your method?
“Empact was an intuition that over time became a system for working, and as such carries certain priorities. One day, taking the hands of a friend of mine, I felt that not only was I touching her, but that I, too, was being touched. I understood that each of us found continuity in the other because both of us were the place where our relationship was happening. I teach this to everyone who comes to my Studio, I teach them to become a Place where Life happens.”
We all know that, since time immemorial, nothing comes from nothing. Even the famous Method of the Russian director Konstantin Stanislavskj was principally an elaboration of the Italian dramatic method of the end of the 19th century. In what ways does your method draw inspiration from others, and how is it different to them?
“Stanislavskj didn’t invent anything, but he what he did was precious and immense, across his entire artistic career, so I absolutely owe him gratitude and respect. I believe that when an actor performs with enthusiasm, nakedly, with depth and empathy, they are carrying part of Stanislavskj’s work with them, whether they realise it or not. I had a great master from whom I learnt much, one who directed me toward teaching, begging me to establish a studio to cultivate a new language and raise actors who would be able to bear witness to the ‘splendour’ that liberates the eyes and hearts of the audience. A place to develop the body so that it might become so free, flexible and intimate that the soul and all the world around it would be expressed through its gestures.”
Stefano Fiorentino on the set of "Il Lupo" by the director Stefano Moro © Stefano Fiorentino
Every actor has an individual vision, a voice all their own. That said, there are recognisable differences in acting styles in Italian, French and American cinema. Can you give us a little description and explanation of these differences?
“We act in the same way that we stand in the face of our world, precisely as we respond to life as it happens. As Italian actors, in films we seem to have so many curtains in front of our eyes, permitting nothing to enter us. What’s more, our language tends to hide rather than reveal. In this sense, Italian cinema is very behind. The art of acting is very particular. On film and on stage, description is not permitted, and neither should be used for political purposes. The language of cinema and theatre fluctuates. There are things that are neither seen nor said but that appear in the fluctuations of life. In Italy we have never had a particularly modern orientation and we are stuck in the Renaissance’s Commedia dell’Arte, for which we are so famous. It’s not a coincidence that the most commonly exported Italian shows are Strehler’s Harlequin and Mistero Buffo by Dario Fo. ”
“In the United States, though, there was the development of a system that sought to emphasise the expression of the actor. The Actor’s Studio has always looked beyond the actors to include directors and writers as well, and Stanislavkj’s lesson led to an understanding of the need for a new language, a specific language that did not previously exist. In admiration of American actors, Gille Deleuze coined the term visagéité, meaning the ability to see life play across the actor’s face so that the audience can understand what the actor has not said, what the actor what has not done. ”
“Acting is such sophisticated work, accomplished in such a simple way, that those watching can’t tell that it’s acting. It means consciously creating something that in life we do unconsciously. In the European tradition, I can only love French cinema, unique in the world, and whose intimacy moves me. It’s no surprise that it was Copeau who talked about ‘that love which things show us when we work in harmony with the spirit. We need to be able to make this the meat of our work.’”
Who are your students? Are they aspiring actors or established professionals, or perhaps a mix of both?
“My students are beginners who have studied at acting schools but don’t feel adequately prepared, theatre professionals who want to learn the language of cinema, cinematic actors who want to break the current barriers in cinema, people who are seeking and don’t know how to lose themselves. Studio Empact isn’t for everyone, but interviews and auditions are open to all.”
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